Ankh

Ankh é o antigo símbolo e hieróglifo que significa “vida” A forma do ankh assemelha-se a uma cruz com a haste superior vertical substituída por uma alça ovalada. A alça oval que compõe o ankh sugere um cordão entrelaçado com as duas pontas opostas que significam os princípios feminino e masculino fundamentais para a criação da vida.

Noutras interpretações, representa a união entre as divindades Osíris e Ísis, que proporcionava a cheia periódica do Nilo fundamental para a sobrevivência da civilização. Neste caso, o ciclo previsível e inalterável das águas era atribuído ao conceito de reencarnação, uma das principais características da crença egípcia.

A linha vertical que desce exactamente do centro do laço é o ponto de intersecção dos pólos, e representa o fruto da união entre os opostos. O ankh era usado pelos antigos egípcios como amuleto protector.

Assim, o ankh vermelha indicava a vida e a regeneração, uma azul a fertilidade, a ankh verde estava ligada à cura, a branca á pureza ritual e era assim utilizada em objectos de ankh rituais, e a preta ressurreição da morte.

Hoje em dia, a ankh é ainda utilizada pela Igreja Copta no Egipto, como símbolo da cruz, chamando-se cruz ansata.

No final doséculo XIX, o ankh foi agregado pelos movimentos ocultistas que se propagavam, além de alguns grupos esotéricos e as tribos hippies do final da década de 60. É utilizado por bruxos contemporâneos em rituais que envolvem saúde, fertilidade e divinação; ou como um amuleto protector de quem o carrega

O ankh também foi incluído na simbologia da Ordem Rosa – Cruz representando a união entre o reino do céu e a terra. Noutras situações, está associado aos vampiros em mais uma atribuição à longevidade e imortalidade.

O ankh popularizou-se no Brasil no início dos anos 70 quando Raul Seixas e Paulo Coelho (entre outros) criaram a Sociedade Alternativa . O selo dessa sociedade possuía um ankh adaptado com dois degraus na haste inferior, simbolizando os "Degraus da Iniciação", ou a chave que abre todas as portas. Numa outra interpretação, representa o laço da sandália do peregrino, ou seja, aquele que quer caminhar, aprender e evoluir.

O ankh não sofreu grandes variações no seu significado e emprego primitivo, embora tenha sido associado a várias culturas diferentes. Mesmo assim foi-lhe atribuído um carácter negativista por aqueles que desconhecem a sua origem e significados reais, associando este símbolo, erradamente, a grupos e seitas satânicas ou de magia negra.

Fonte: Wikipédia e Cadernos de História da Arte

Uma pintora portuguesa - Vieira da Silva

Maria Helena Vieira da Silva (Lisboa 13 de Junho de 1908 - em Paris 6 de Março de 1992) foi uma pintora portuguesa, naturalizada francesa em 1956.

Filha do embaixador Marcos Vieira da Silva, Maria Helena demonstrou interesse pelas artes desde pequena.
Neta de José Joaquim da Silva Graça, fundador do Jornal O Século, morou na casa do avô em Lisboa.

Aos onze anos começou a estudar pintura e desenho na Academia de Belas Artes de Lisboa e, motivada pela escultura, estudou Anatomia na Faculdade de Medicina de Lisboa.
Em 1982 estabeleceu-se em Paris onde estudou pintura com Fernande Léger, e trabalhou com Duffrene e Waroquier.
Em Paris conheceu seu futuro marido, o, também pintor, húngaro Árpad Szenes, casando em 1930.

Devido ao facto de seu marido ser Judeu e de ela ter perdido a nacionalidade portuguesa, eram oficialmente apátridas. Então, o casal decidiu residir por um longo tempo no Brasil, durante a Segunda Guerra Mundial e no período pós-guerra. No Brasil, entraram em contacto com importantes artistas locais.

A partir de 1948 o estado Francês começa a adquirir as suas pinturas e em 1956 tanto ela como o marido obtêm nacionalidade francesa. Em 1960 o Governo Francês atribui-lhe uma primeira condecoração, em 1966 é a primeira mulher a receber o Grand Prix National des Arts e em 1979 torna-se cavaleira da legião de honra francesa.

Para honrar a memória do casal de pintores, foi fundada em Portugal a Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva, sediada em Lisboa

A rapariga do brinco de pérola

Johannes Vermeer mais conhecido por Vermeer de Delft, foi baptizado em 31 de Outubro de 1632, e faleceu a 16 de Janeiro de 1675.
É considerado de entre os pintores Holandeses o segundo depois de Rembrant.
Pintor de género, os seus quadros não têm história, paixão ou evento. Preocupava-se fundamentalmente em representar a luz suave, doce, quase palpável, vagando pelas diversas superfícies da imagem.

Depois de ter sido praticamente esquecido por quase cem anos, Vermeer foi redescoberto em 1866 quando o critico de arte Thore Bürger publicou um ensaio atribuindo-lhe 66 imagens (apenas 35 pinturas lhe são definitivamente atribuidas). Desde então a reputação de Vermeer tem aumentado, e ele é agora reconhecido como um dos maiores pintores da Idade de Ouro Holandesa.

Jackson Pollock

Nasceu nos Estados Unidos da América em a 21 de Janeiro de 1912 e faleceu em 1956, sem nunca ter saído dos EUA.
Polêmico, irrequieto, perturbador, diferente, viveu emoções que o levaram da depressão ao êxtase e terminaram por transformá-lo num alcoólico.

Jackson Pollock é uma referência no expressionismo abstracto. Implementou o automatismo pictórico, a action painting, usando o dripping como técnica de pintura. Esta técnica consistia em respingar a tinta sobre as suas imensas telas; os pingos escorriam formando traços harmoniosos que pareciam entrelaçar-se na superfície da tela. Pintava com a tela colocada no chão, para se sentir dentro do quadro. Para além de não usar cavalete também não usava pincéis.

A tensão ético-religiosa por ele vivida impele - o aos pintores da Revolução Mexicana. A sua esfera da arte é o inconsciente: e os seus signos são um prolongamento do seu interior.

Pollock é um marco na pintura pós-guerra não só americana, mas de todo o mundo. Continua a ser, um dos pintores americanos mais influentes dos tempos actuais.

Op Art

A Op Art (abreviatura de Optical Art) desenvolveu-se, principalmente através do trabalho de Victor Vasarely (1908) e Bridget Riley (1931). Convocando a participação involuntária do espectador, estas obras priveligiam os valores visuais sobre os expressivos, produzindo uma série de efeitos e ilusões ópticas, de modo a gerar sensações de movimento e a provocar a sua instabilidade perceptiva.

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Bridget Riley

Bridget Riley

Bridget Riley

Comida e vinho : a arte de saber escolher

A ligação de vinho com comida nem sempre é obvia e por isso não hesite em experimentar.
Já o poeta, filósofo e epicurista romano Quinto Horácio Flaco dizia que “o vinho a servir deve ser escolhido consoante os convidados e ocasião”.
A prática, bom senso e sensibilidade de cada um, fará toda a diferença. Desde a côdea de pão para limpar a boca durante uma prova de vinhos até à clássica refeição mediterrânica, a relação do vinho com a comida é um jogo de sabores imenso e inesgotável. E impõe-se a pergunta, devemos cozinhar para o vinho que vamos servir ou escolher um vinho em função do prato que cozinhamos? Tudo depende das circunstâncias e a decisão caberá ao anfitrião. A ideia é conseguir que ambos os elementos lucrem com a associação e juntos saibam melhor que separados.
Em traços gerais é o corpo ou álccol do vinho e o seu tipo e número de taninos, assim como o seu nível de acidez ou doçura que vão determinar o sucesso do casamento.
Vinho e comida é, na maioria dos casos, uma relação de concordância, ou seja, quanto mais intensidade tiver o vinho mais sabor deve ter a comida e vice-versa, pratos delicados preferem vinhos leves e perfumados. Se a comida que tem no prato é doce ou adocicada deve optar por vinhos brancos ou tintos pouco ácidos e pouco secos, eventualmente vinhos meio secos ou doces podem constituir a opção correcta.
Um peixe que pede tempero de limão ou vinagre apreciará ser acompanhado por um branco seco e cítrico. Um vinho taninoso mostrar-se-á menos áspero se for servido com pratos gordos de tempero e textura forte e pesada. Para além disto, um vinho banal pode beneficiar com comida bem temperada e um grande vinho brilhará mais se a comida for relativamente neutra. O tema é labiríntico mas não há nada como praticar para se adquirir experiência. Uma regra de ouro: lembre-se sempre que os vinhos mais caros não são obrigatoriamente os que vão casar melhor com o prato que vai cozinhar.

Vinho e comida – combinações clássicas

Riesling- Salmão fumado
Chablis – Ostras
Moscatel – Caril
Xerez Fino ou Manzanilla – Presunto
Gewurstraminer – comida chinesa
Tintos jovens estruturados – Cordeiro
Tintos evoluídos - Caça
Sauternes – Roquefort
Porto Vintage – Queijo amanteigado


Ordem de serviço
A ordem pela qual são servidos os vinhos pode alterar consideravelmente o seu carácter individual. Há uma regra clássica que aconselha os vinhos secos antes dos doces, os jovens antes dos velhos e o bom antes do muito bom.
Mas se a primeira premissa se pode considerar totalmente lógica, posto que um vinho seco a seguir a um doce parecerá ácido e agressivo, as premissas são muito discutíveis. Os vinhos velhos, apesar de mais complexos, não têm o mesmo impacto e potência de prova de um vinho jovem e encorpado, muitos apreciadores preferem começar pelo vinho mais velho e terminar no vinho mais jovem e potente. Mas tudo depende do número de vinhos e comida a acompanhar e dos gostos e sensibilidade dos convivas

Temperatura
O velho conceito de “brancos e roses frescos e o tinto à temperatura ambiente” não funciona. E porquê? Porque é muito vago. A temperatura, é de longe, o factor mais importante no serviço de vinho. É determinante para o seu gosto e aroma. Os componentes voláteis do vinho têm diferentes modos e temperaturas de volatilização. O aroma é incrementado a 18ºC diminuído a 12ºC e neutralizado a menos de 6ºC. Acima dos 20ºC o álcool domina e com ele podem surgir alguns defeitos e fraquezas que estariam escondidos a temperaturas mais baixas ou adequadas.
Os sabores doces aumentam com a temperatura. A temperatura baixa diminui o efeito de calor e ardor do álcool, reforça a acidez e aumenta os gostos salgado e amargo assim como a adstringência ou aspereza de um tinto. No caso de um espumante favorece a bolha fina e o fraco desprendimento do gás. A temperatura correcta do vinho que vai servir é fundamental para a aclamação da sua qualidade.

O vinho deve ser sempre servido em copos com pé alto

Fonte: revista de Vinhos

Selinho oferecido pela Sol

Recebi da Sol este carinhoso e ternurento selinho que vou repassar para os meus simpáticos amigos:

Lisa

Beth

sandracantii

Óscar

Kmmad

jmcreis

ropiva

O selinho está à vossa espera

Homenagem a Magritte

Magritte nasceu em Lessines, Bélgica, no dia 21 de Novembro de 1898. Pintor de imagens insólitas, às quais deu tratamento rigorosamente figurativo, sempre à procura do contraste entre o tratamento realista dos objectos e a atmosfera irreal dos conjuntos.
As suas obras são metáforas que se apresentam como representações realistas, através da justaposição de objectos comuns, e símbolos recorrentes na sua obra, tais como o torso feminino, o chapéu côco, o castelo, a rocha e a janela, entre outros mais, porém de um modo impossível de ser encontrado na vida real.

Armadilhas da comparação e da competição

Logo que nascemos começamos a ser comparados, «é igualzinha à mãe», «tem o nariz do pai».
Os pontos mais comuns de comparação são:
Aparência
Inteligência
Comportamento
Realizações

Os nossos pais e professores mesmo sem ser intencional, continuam a comparar-nos com o irmão, com o primo, «porque não te sais tão bem como o teu irmão» «porque não podes ser como ele». Assim fomos ensinados a compara-nos com os outros, e na maioria das vezes agimos por comparação.
Onde fica a nossa auto-estima?
Todos os especialistas são unânimes em afirmar que, a comparação é a morte da verdadeira auto-estima

Outra grande armadilha que enfrentamos é a da competição, embora diferente mas não menos prejudicial.
Mal entramos na escola começamos a competir.
Competimos por notas, por sobressair nos desportos, por popularidade, por participar nos grupos que «estão na moda». Infelizmente, os resultados destas lutas e competições precoces deixam cicatrizes duradoiras em muitos de nós. Ainda assim continuamos a competir. Mais tarde, apenas se mudam os símbolos do status. Ainda ficamos deslumbrados com a visão e os sons do esplendor. Dentro de nós o monstro da inveja queixa-se «se eu soubesse dizer coisas tão inteligentes… se eu tivesse uma casa assim…se eu ganhasse tanto dinheiro…» Mas nem chegamos perto dos «ses» e, afinal, no jogo da competição, todos perdem.

Fonte: "Felicidade um trabalho interior" de John Powell

O BEIJO

Francesco Hayez



Gustav Klimt



Auguste Rodin



René Magritte




Constantin Brancusi


Roy Lichtenstein




Picasso

PORQUE NOS ENSINARAM A SOFRER?

Alguma vez parámos para pensar quantas vezes sofremos inutilmente quando éramos pequenos?
Passámos parte da nossa infância a preocupar-nos «em vão». Facilmente nos angustiávamos pelo que sucedia à nossa volta: sofríamos se um amigo se zangava connosco, se lutávamos com os nossos irmãos; se os nossos pais nos olhavam aborrecidos, se nos repreendiam…
Curiosamente, também os nossos pais e adultos que nos rodeavam se preocupavam com uma facilidade incrível. Os motivos pareciam não importar, tudo constituía uma boa desculpa para sofrer, e passaram grande parte desses anos em «alerta» constante. Passavam mal se adoecíamos; continuavam a sofrer quando julgavam que éramos muito travessos, ou, pelo contrário, demasiado formais; se passávamos o dia a pedir coisas, ou se não nos atrevíamos a pedir nada… O caso era «não viver».
Curiosamente, com estes ensinamentos, quando éramos crianças aprendemos a estar «atentos» perante qualquer situação que pudesse ser motivo de desgosto, pena ou zanga, tanto para nós, como para os que nos rodeavam.

A educação, ontem e hoje, parece estar ao «contrário». Em vez de sensibilizar as crianças para o positivo, para o que fazem bem, para o que lhes pode dar segurança e confiança em si próprias, sensibiliza-as para o que as pode perturbar, inquietar, produzir desassossego, insegurança e desconfiança.

Em que falhou a educação que recebemos?
Do ponto de vista psicopedagógico falhou em princípios absolutamente essenciais.
Quando nos ensinaram a reparar de forma quase exclusiva no negativo que há à nossa volta, aprendemos, quase sem nos dar conta, a estar sempre «em guarda», para corrigir à mais pequena oportunidade o que supostamente fez «algo mal»
Se tivéssemos de apontar as falhas da educação que recebemos, não poderíamos deixar de enumerar alguns dos grandes equívocos em que se sustentaram, entre os quais cabe citar os seguintes:
Reparar no negativo, em vez do positivo
Sancionar, em vez de reforçar.
Impor, em vez de dialogar.
Usar o dever e o medo, em vez da motivação

Potenciar:
O seguidismo em vez da razão.
A imobilidade em vez da criatividade.
A dureza em vez do afecto
A insensibilidade, em vez da sensibilidade.
A tristeza em vez da alegria.
A derrota e o pessimismo, em vez da esperança.
A desconfiança e a ruindade, em vez da confiança e da transparência.
A insegurança, em vez da segurança.
A humilhação, em vez da auto-estima.
O egoísmo, em vez da generosidade.

Mas o pior é que estas falhas não só se continuam a cometer na educação das crianças, adolescentes, jovens e adultos de hoje, como se incrementaram nas pessoas supostamente «privilegiadas» que desfrutam, no seio da sociedade de consumo que nos domina, quando não nos afoga, das chamadas «culturas avançadas» dos países desenvolvidos.

O consumismo impera sobre o consumo sustentado
A intransigência sobre a flexibilidade.
O dogmatismo sobre o respeito e a inteligência.
As «mentes fechadas» sobre as «mentes abertas»
A reacção e o stress sobre a acção e a saúde.

Há que fomentar o equilíbrio, a maturidade, o autocontrolo e desterrar a tirania, a manipulação, a falta de solidariedade, o narcisismo, o desequilíbrio e a insatisfação permanente. Porque devemos saber desfrutar da nossa vida, dessa procura sã e transparente da felicidade.

Fonte: ”A inutilidade do sofrimento” de María Jesús Álava Reyes

Cinema ajuda-nos a ver doenças de forma diferente

Uma Mente Brilhante

Três filmes que vão fazer pensar em certas doenças de outra forma

Há filmes que, para além de puro entretenimento e espectáculo de efeitos especiais, são bons veículos de informação, especialmente quando sabemos pouco sobre o assunto que tratam. Desta vez trata-se de saúde, três filmes que quebram mitos e nos mostram o «outro lado» de três doenças

A FORÇA DO AMOR
Sam Dawson é um homem com uma deficiência mental que, graças ao apoio de um círculo de amigos incansáveis, consegue cuidar da filha Lucy e educá-la, apesar de todas as suas limitações. Os problemas começam quando, a partir dos sete anos, Lucy ultrapassa intelectualmente o seu pai e os Serviços Sociais decidem que a única solução será retirar a Sam a custódia paternal. Devastados com a situação. Sam e Lucy recorrem a uma advogada na tentativa de ficar juntos.

O que nos diz o filme
O espectador é confrontado com a capacidade de luta de pessoas que sofrem de deficiência mental e alertado para a enorme sensibilidade e lucidez que podem possuir.
Transportada para a realidade a situação retratada no filme seria algo diferente pois, devido à falta de facilidades e oportunidades com que deparam estes indivíduos, os obstáculos seriam ainda mais difíceis ou mesmo impossíveis de transpor. Mas o visionamento do filme confronta-nos com questões pertinentes.

UMA MENTE BRILHANTE
O filme que retrata a vida do matemático John Forbes Nash Jr. Apesar de toda a sua genialidade intelectual e brilhantismo académico, o matemático quase viu a sua carreira terminada devido à esquizofrenia. que o perseguiu durante anos e, devido à qual foi hospitalizado várias vezes. A doença tomou conta da mente de Nash Jr.,f orçando-o a uma perseverança e força de vontade incalculáveis, de forma a tentar viver uma «vida normal» A consagração de tão dura luta surgiu a John Forbes Nash Jr. sobre a forma de um Prémio Nobel de Economia.

Terror da esquizofrenia
Envolta em mitos, apesar de toda a investigação que tem vindo a ser feita por muitos cientistas em todo o mundo, esta doença de foro mental, grave e crónica, afecta um por cento da população mundial. Extremamente debilitante, a doença revela-se através de sintomas mentais psicóticos como alucinações e delírios, que resultam num constante estado de ansiedade, confusão e medo. Estatisticamente, e segundo o site http://www.saúde-mental.net/, dirigido pelo Prof.Doutor Marques Teixeira, apenas um em cada cinco doentes recupera completamente.

FLORES DE AÇO
Júlia Robert interpreta Shelby, uma jovem mulher que sofre de diabetes de tipo1 e decide avançar com uma gravidez contra a vontade de quase todos os que a rodeiam, principalmente a mãe.
O drama assenta num elenco feminino excepcional e elucida o espectador sobre os problemas desta doença.

Diabetes na gravidez
É frequente que, durante a gravidez, a mulher desenvolva um caso de diabetes gestacional. Contudo, no filer Shelby já é diabética e insulinodependente antes de engravidar. Felizmente com os avanços médico-científicos, é possível controlar os índices glicémicos das grávidas e, para que os riscos sejam diminuídos ao mínimo, exige-se um acompanhamento constante e apertado.

Fonte: Texto de Alexandra Pereira para a revista Saber viver

Bernardo Bertolucci

O realizador italiano Bernardo Bertolucci foi hoje aplaudido de pé por mais de uma centena de pessoas que se deslocaram ao Estoril para assistir ao documentário "Bertolucci Secondo il Cinema", feito durante a rodagem do seu filme "1900".
Compareceu durante breves momentos no Centro de Congressos do Estoril para saudar os seus admiradores e agradecer ao director do festival, Paulo Branco, a distinção.

Sobre o filme "1900" (Novecento), rodado nos anos 70 e protagonizado por dois jovens actores - Robert De Niro e Gérard Depardieu - o realizador referiu que foi uma obra "ambiciosa".
O filme faz uma retrospectiva histórica da Itália desde o início do século XX até ao final da Segunda Guerra Mundial, com base na vida de Olmo, filho bastardo de camponeses, e Alfredo, herdeiro de uma família rica. As visões políticas dos dois opõem-se: um apoia o fortalecimento do fascismo e outro as lutas dos trabalhadores.

Bertolucci não resistiu a lembrar que tanto para Portugal como para Itália o dia 25 de Abril é uma data de "libertação", uma vez que o 25 de Abril de 1945 marca o derrube do fascismo em Itália.

Nascido em 1940, Bertolucci estudou na Universidade de Roma onde ganhou fama como poeta.
Já nos Estados Unidos dirigiu O conformista (1970), que chegou a ser indicado para o Oscar de melhor roteiro. Em 1972, a sua primeira obra-prima, O último tango em paris, escandalizou meio mundo e deu a Bertolucci mais uma chance de concorrer ao Oscar, desta vez como director Depois de fazer 1900, um filme monumental e muito ambicioso, Bertolucci partiu para o drama intimista em La Luna.

Em 1987, consagrou-se com O último Imperador, que recebeu nove Oscars, incluindo os de melhor filme e melhor director. Em O Céu que nos protege (no Brasil), Um chá no deserto (em Portugal), nova obra-prima, rodado em 1990, em pleno deserto do Sahara, Bertolucci extraiu interpretações fantásticas de Debra Winger e John Malkovich. Seguiram-se O pequeno buda prejudicado por uma certa frouxidão narrativa.
Os seus últimos filmes que falam de relacionamentos e sentimentos, são profundamente intimistas como e Beleza roubada e Assédio.

Bertolucci que se encontra em plena actividade, é um cineasta ousado, que gosta de movimentos de câmara sofisticados, roteiros inteligentes e não tem medo de experimentar, mesmo quando trabalha com grandes orçamentos.

Fonte: Wikipédia e Jornal de Notícias

Recorto a minha sombra

Recorto a minha sombra da parede,
Dou-lhe corda, calor e movimento,
Duas demãos de cor e sofrimento,
Quanto baste de fome, o som, a sede.

Fico de parte a vê-la repetir
Os gestos e palavras que me são,
Figura desdobrada e confusão
De verdade vestida de mentir.

Sobre a vida dos outros se projecta
Este jogo das duas dimensões
Em que nada se aprova com razões
Tal um arco puxado sem a seta.

Outra vida virá que me absolva
Da meia humanidade que perdura
Nesta sombra privada de espessura,
Na espessura sem forma que a resolva.

José Saramago em :Os Poemas Possíveis

Colecção de capas de discos dos Beatles

Tertúlias Virtuais - O meu ídolo

Ana Catarina Rocha, Arquitecta

A Catarina sempre foi muito determinada, positiva, e sociável.

Quando ingressou no Curso de Arquitectura da Faculdade de Arquitectura da Universidade do Porto, uma das mais conceituadas da Europa, percebeu que haviam imensas oportunidades neste campo, não só em Portugal mas também no estrangeiro
No quinto ano do curso foi para a Holanda fazer o estágio e na Universidade de Delft acabou o 6º ano do Curso.

Com as qualidades apresentadas foi admitida nos Mecanoo, escritório de arquitectura internacionalmente reconhecido. Ao fim de dois anos de desenvolvimento profissional, estudo da língua, estudo dos sistemas de projecto, administração e gestão Holandeses, deu inicio a coordenação de projecto, e a partir desse momento construiu uma carreira neste famoso escritório que iria durar cerca de 10 anos.

Mas o seu sonho era assinar as suas obras e explorar novos campos da arquitectura.

Em Fevereiro de 2006, tendo como sócio um colega vindo também dos Mecanoo, inaugurou em Amsterdão “Rocha Tombal Architecten”.
O seu primeiro projecto, nomeado para o prémio de arquitectura holandês “Lensvelt “,é a recuperação do edifício de um antigo deposito de água na cidade histórica de Delft.

As torres de água são património nacional e não podem ser alteradas exteriormente, mas no seu interior, surgiu uma escultura gigante que alberga um centro de meditação.
O projecto foi muito bem sucedido e obteve sucesso imediato; neste momento está publicado em revistas de arquitectura europeias, americanas, e chinesas.

Tem 36 anos, vive na Holanda há 15 anos, sem família, mas com muitos e verdadeiros amigos, luta pelo seu grande objectivo, ter o seu trabalho reconhecido.
O seu sonho, porém, é a realização de um projecto de arquitectura em Portugal.
Conheça o seu trabalho através do web-site: http://www.rocha.tombal.nl/

Matilde Rocha, Designer Gráfica e de Moda

A Matilde sempre foi muito tranquila de poucas palavras, mas muito decidida e autónoma.

Depois de terminar o Curso Técnico de Design de Moda aos 17 anos e com bastante sucesso enveredou no Curso de Pintura da Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. Após os primeiros contactos com os métodos académico e clássico deste curso, e devido ao seu interesse generalizado e conhecimentos de design, criação de conceitos e a comunicação visual optou pelo curso de Design de Comunicação da mesma Universidade. Durante este período continuou em contacto com a criação de moda aliada ao desenvolvimento de conceitos de design através de comissões que desde cedo lhe foram sendo atribuídas.

Acabado o curso fez um mestrado em Markting e Comunicação de Moda. Temos na família um instituto de ensino de design de moda, a EMP- Escola de Moda do Porto. A Matilde simboliza o sangue novo, a criatividade, determinação e energia que esta organização, já com 40 anos de existência, necessitava. Neste momento responsável pelo Curso de Design de Moda, obtém constantemente resultados excelentes. Nos concursos para jovens estilistas a EMP arrebata os primeiros prémios.

O ESAD - Escola Superior de Arte e Design, convidou-a, para criação e coordenação do Curso Superior de Moda. Recentemente foi convidada pela Associação Industrial de Barcelos, zona onde se insere a indústria têxtil em Portugal para coordenar o EFA – Educação e Formação de Adultos na área da Moda.

Paralelamente a esta sua actividade na área da educação do design de moda, tem desenvolvido variados projectos de design como por exemplo toda a linha gráfica para um escritório de arquitectura de Barcelona.

A Matilde tem 30 anos, é casada e tem um filho de 18 meses. Tem sabido conciliar com muita mestria a sua vida profissional com a vida familiar, constituindo um grande exemplo.

Os meus ídolos são as minhas filhas por quem tenho um grande orgulho, pela sua perseverança, positivismo, auto-confiança, determinação e alcance dos objectivos traçados.

Mamãe eu quero subir no ranking do blogblogs

Li no Blog Toques de Prazer sobre a campanha para melhorar o rank no blogblogs e resolvi participar.Se você está cansado de ver blogs subindo horrores no ranking do Blogblogs e o seu humilde blog lá, estacionado na traseira do ranking, essa é a sua chance.Grite para todo mundo ouvir: “Mamãe eu quero subir no ranking do BlogBlogs!”.
Não tem mistério nenhum.Chegou a hora de você figurar nas primeiras posições ao lado dos grandes nomes da blogosfera nacional.A campanha Mamãe eu quero subir no ranking do BlogBlogs vai te colocar lá no topo, Para participar é simples: Divulgue a campanha para o maior número possível de blogueiros.A cada post sobre a campanha, o blog em questão deve linkar os outros blogs participantes. Esse é o segredo do sucesso! Links.Não importa se você é PhD em Física Quântica ou se aprendeu a ler hoje. O esquema é linkar, linkar e ser linkado! Essa é a mágica da qualidade!Anote a sua posição atual e compare ao final da campanha.Essa é uma iniciativa dos blogs inSUPORTÁveis e Rafabarbosa.com.

Blogs Participantes:inSUPORTÁveis – RafaBarbosa.com - SNES-Classics – Lazer – Paguei Mico – Totalmente Responsa – NerdPobre – Desconspiração – Até Tu Brutus – Boneco de Meia – Cogumelos - O Crepúsculo - Triplo Sentido - Caixa Pretta - Papibakigrafo - Fester Blog - Estranhos Europeus - Mundo Afora - Igaum - Senhor Coxinha - Macacumor - Jacaré não come Alpiste - Muita Pimenta - Blog Stereo - Portal Brogui - AJ - E-Fail - Speed Racer Go Brazil - Pica Pau Brazil - Criativo de Galochas - Blog da Mandioca - Malcan - Kamikaze Blog - Mamão Papaia - Malvada - Blog Alternativa - Praticando Humor - Resistance Base - Tudo a ve - Esqueci as chaves - Os Gugas - Foodasticos - Mundo do Ego - Denker - Quarto Universitário - SlinkBlog - Café com Pão - Blog do Tiago - Pior -XGoogle - Momento Piada - Fábio P. - Blogando Blog - Seu Boga - Drax - Corto Cabelo e pinto - Outside - Balabusca - Toques de Prazer - Blog do Catarino Tô Atoa - Aprendemos

Para participar também, é simples! Basta você comentar nesse post ou nesse, mandando o link da postagem sobre a campanha !Se gostou do post subscreva nosso FEED

Revolução Impressionista

Pissaro 1830-1903

Auguste Renoir 1841-1919

Berthe Morisot - 1841-1895

Mary Cassat 1845 - 1926

Edgar Degas 1834 - 1917

Edgar Degas 1834- 1917

Alfred Sisley 1839-1899

Características

O impressionismo procurou a captação do instante luminoso, fugaz e fugidio, em constante mutação. Monet pintou a mesma paisagem a diferentes horas do dia e nas diferentes estações do ano.

Apelidados de impressionistas pelo crítico Leroy, aquando da exposição no atelier do fotógrafo Nadar, perante a obra de Claude Monet “Impressão do sol nascente”

"Impressão do sol nascente " Claude Monet 1840-1926

Os contributos para a nova representação foram:

- As descobertas científicas no campo da óptica;
- A descoberta da fotografia, que produziu na pintura novos enquadramento e novas perspectivas, como o ponto de vista aéreo;
- A invenção das tintas de tubo, produzidas industrialmente, que lhes permitia pintar no exterior;
- A descoberta das estampas japonesas, pelo seu linearismo e forma planificada, sem claro-escuro.

Tecnica

- Pintavam ao ar livre, perante o motivo, justapondo as cores na tela através de uma pincelada curta em forma de vírgula, executadas com grande rapidez;
- Usavam cores puras, fortes e vibrantes retiradas directamente do tubo;
- As cores eram aplicadas segundo a lei da complementariedade, de modo a obter a fusão dos tons nos olhos do observador;
- Não misturavam as cores na paleta, nem usavam o preto

Nenúfares Claude Monet

carta de um aluno a um professor

Encontrei na revista da SPN , uma carta de uma aluna a um professor, que passo a transcrever, tal como vem publicada:

tu que falas a língua das estrelas, das árvores e do mar,desconheces o privilégio que é ouvir-te falar. tu que dominas a ciência, a religião, a arte e a história, não vês o futuro que alimentas na tua memória. tu que existes fora do tempo e do espaço, não te encontras no papel em que escrevo, na tinta e no traço. tu que és humano, mas ao mesmo tempo não, ignoras que és um ideal de mente, de alma e de coração. tu que todo te dás em farrapos de giz, esqueces que és um herói e um gigante para um aprendiz. tu que plantas a dúvida, o método e a descoberta, não sabes o valor que tem essa oferta. tu que mereces ser rico e feliz, um rei, és o homem mais humilde que já encontrei. tu que moras nos livros que lês e partilhas, não vês que o que dás são para nós maravilhas. tu que ofereces ajuda em troca de chocolate, esqueces o aliado que és em qualquer combate. tu que libertas o saber que a vida esconde em si, concede mais este desejo

e, por favor, sorri.

Raquel Patriarca

Recomendo uma visita ao blog da Mell

Queria recomendar aos meus amigos uma visitinha ao blog da Mell - Metáforas que tem belissimas fotografias da sua autoria.

Cirque du Soleil

O Cirque du Soleil começou quando um grupo de artistas de rua no Quebec (Canadá) decidiu criar uma nova maneira de exprimir uma paixão do grupo pelas artes circenses. Sob a direção de Guy Laliberté, o Cirque du Soleil usou a sua paixão pela criatividade e pela inovação para redefinir a paisagem do entretenimento e maravilhar espectadores do mundo inteiro. Sob a direcção de Guy Laliberté, o Cirque du Soleil usou a sua paixão pela criatividade e pela inovação para redefinir uma paisagem do entretenimento e maravilhar espectadores do mundo inteiro.

Cirque du Soleil fornece entretenimento artístico de alta qualidade, com sede em Montreal, Quebec (Canadá). A empresa conta com quase 4000 funcionários, de 40 países diferentes, incluindo 1000 artistas.
Desde que foi criado, em 1984, o Cirque du Soleil já encantou mais de 80 milhões de espectadores em mais de duzentas cidades diferentes dos cinco continentes. A empresa actualmente apresenta 8 shows em tour e 7 shows residentes, por todo o mundo, e em breve estará adicionando novos shows em Los Angeles , Japão , Macau e Dubai . Em 2009, o Cirque irá apresentar 20 shows simultaneamente, pelo mundo todo.

Áreas de actividade

Há mais de 20 anos, o Cirque du Soleil tem utilizado a sua energia criativa e abordagem única para criar uma nova forma de expressão artística e mostrá-la ao mundo inteiro. Embora o foco principal das actividades do Cirque du Soleil continue a ser criação de espectáculos originais, a empresa também leva o seu espírito inovador a áreas como a música , TV, DVD e filmes, comercialização e licenciamento de produtos e muitos outros projectos extraordinários.

Cirque du Soleil Images

Fundada em 1999, a Cirque du Soleil Images tem por missão criar produções originais para televisão, DVD e cinema. O objectivo das suas produções é captar o espírito dos espectáculos e eventos do Cirque du Soleil e oferecer aos espectadores uma experiência inteiramente nova. As criações da Cirque du Soleil Images têm sido reconhecidas com numerosos prémios e distinções, entre os quais:• Um prémio DVD Excellence em 2006 e um prémio Gemini em 2005 para Midnight Sun• Um prémio DVD Excellence em 2005, um prémio Primetime Emmy e dois prémios Gemini em 2003 para Cirque du Soleil Fire Within• Três prémios Primetime Emmy em 2000 para Cirque du Soleil Presents Dralion

Cirque du Soleil Musique

A missão da Cirque du Soleil Musique é criar, produzir e vender a música associada com os espectáculos actuais e futuros do Cirque du Soleil e ajudar a desenvolver as carreiras de artistas principiantes do mundo inteiro.

Outras Actividades

O Cirque du Soleil quer desenvolver projectos inovadores extraordinários (particularmente no sector da hotelaria), em colaboração com alguns parceiros.

Fonte: Site oficial do Cirque du Soleil

Apesar da crise financeira os coleccionadores continuam a gastar muito dinheiro em obras de arte

"Vampiro" Edvard Munch

Apesar da crise financeira internacional, os coleccionadores continuam dispostos a gastar muito dinheiro com obras de arte.

Organizada pela casa de leilões Sotheby´s, que lançou na véspera da eleição presidencial americana, as grandes vendas de arte impressionistas e contemporâneas, a noite era esperada com expectativa após dois meses de tempestade financeira mundial e resultados decepcionantes nas vendas de arte em LondresA Sotheby´s anunciou que obteve um pouco mais de US$ 223,8 milhões. Além da Composição suprematista de Malevich, que bateu todos os recordes para uma obra de arte russa ao alcançar US$ 59,96 milhões, um quadro de Edvard Munch, Vampiro, foi arrematado por mais de US$ 38 milhões, superando a estimativa de 30 milhões. e a Danseuse au repos (Dançarina em repouso) do impressionista francês Edgar Degas foi vendido por US$ 37 milhões, mas estava avaliada em 30 milhões.

Globalização - Mia Couto

Discutiam os camponeses

Vi uma pedra fumando água, disse um.
Impossível, ripostou o outro.
Aqui só os rios é que bebem fumos.

O geólogo ouviu e disse: é preciso
desentortar as palavras dessa gente!

O antropólogo argumentou
em defesa de uma lógica,
pura e mágica
não tocada por ocidentais impurezas.

O político chegou e disse: é preciso
despalavrar os que sofrem de excesso de alma

O que fizeram os camponeses?

Venderam
falsas amostras
da pedra mágica ao geólogo.

Cozinharam
umas tantas ingenuidades
para encantar o antropólogo.

Por fim,
filiaram-se no partido político
que mais luta contra o campesinato

Mia Couto em: idades cidades divindades

Mia Couto nasceu na Beira , Moçambique, em 1955. Foi jornalista e é professor, biólogo e escritor. Está traduzido em diversas línguas.
Entre outros prémios e distinções (de que se destaca a nomeação, por um júri criado para o efeito pela Feira Internacional do Livro do Zimbabwe, de Terra Sonâmbula como um dos doze melhores livros africanos do século XX), foi galardoado, pelo conjunto da sua obra, com o prémio Vergílio Ferreira 1999 e com o Prémo União Latina de Literaturas Românicas 2007

Como interpretar uma obra de arte

Joan Miró

Deixou-me um leitor o seguinte desafio” Será um leigo capaz de aprender a interpretar uma obra de arte?”

O conceito de obra de arte é muito polémico e não há uma definição precisa.
Eu definiria obra de arte como sendo uma obra única, original e que perdura no tempo.

Para Pablo Picasso “ Arte não é a aplicação de uma regra de beleza, mas daquilo que o instinto e o cérebro podem conceber além de qualquer regra”.

Marcel Duchamp

Para Marcel Duchamp um dos mais influentes artistas da arte moderna, tudo pode ser arte desde que: 1º o artista afirme que aquilo é arte, 2º que um especialista confirme o acto, 3º que o local onde será exposto seja conhecido como local para expor obras de arte.
Temos o exemplo da roda de bicicleta e da lata de sopa campbel, que desinseridas do contexto para que foram criadas e colocadas num museu passam a usufruir do estatuto de obra de arte.

A arte contempla várias formas de expressão, uns exprimem-se através da música outros da dança outros da pintura.
Em cada uma destas formas de expressão há regras que são usadas pelos artistas de forma arbitrária.

A pintura obedece a determinados conceitos, conhecidos como conceitos estruturais da linguagem plástica, que aliados, à técnica e à criatividade produzem a obra.

A arte é para ser fruída e não entendida. Dizia Freud a propósito deste assunto” as maiores criações de arte são incompreensíveis e constituem verdadeiros enigmas. Esse estado de perplexidade intelectual pode ser condição necessária para a fruição da obra de arte.

René Magritte

O problema de interpretação de uma obra de arte não se põe com a pintura figurativa, essa todos julgam entender, a questão põe-se com mais evidência perante uma obra abstracta

Quando vamos a um concerto ninguém questiona se vamos saber ou não interpretar a obra, e contudo as notas musicais são o que há de mais abstracto.

No caso das artes visuais o fundamental é aprender a ver, contemplar e tentar apreender à sua maneira, para podermos ser receptores da mensagem do artista.
No caso da pintura moderna e contemporânea é preciso haver um entrosamento do espectador com a obra, é ir além da busca da beleza, é dar um salto no desconhecido, só assim veremos mais do que um jogo de linhas, formas e cores

Tapiés

Blogagem colectiva - Cecília Meireles

Para o meu neto Gonçalo

O menino Azul

O menino quer um burrinho
para passear.
Um burrinho manso,
que não corra nem pule,
mas que saiba conversar.

O menino quer burrinho
que saiba dizer
o nome dos rios,
das montanhas, das flores,
- de tudo o que aparecer.

O menino quer um burrinho
que saiba inventar histórias bonitas
com pessoas e bichos
e com barquinhos no mar.

E os dois sairão pelo mundo
que é como um jardim
apenas mais largo
e talvez mais comprido
e que não tem fim.

(Quem souber de um burrinho desses,
pode escrever
para a Ruas das Casas,
Número das portas,
Ao menino Azul que não sabe ler)

Cecília Meireles

Yves St Laurent um ícone da moda

Exposição

A primeira exposição pública da obra de Saint Laurent feita desde a sua morte foi aberta no fim - de - semana passado no museu DeYoung, em San Francisco. A colecção de 130 criações abrange 40 anos do trabalho do estilista, desde os seus vestidos-trapézio criados para a Dior até aos seus famosos smokings e jaquetas safári que revolucionaram a moda feminina e consolidaram a grife Yves Saint Laurent como ícone da alta-costura inovadora.

"Muitas mulheres elegantes eram fãs de Saint Laurent, incluindo a actriz francesa Catherine Deneuve, a princesa Grace de Mônaco e Bianca Jagger, que usou um smoking branco do estilista no seu casamento com Mick Jagger.

Enquanto Coco Chanel libertou a mulher das restrições dos corpetes, Yves Saint Laurent deu-lhe"força e poder"segundo Bergé. Criado para a cantora francesa Françoise Hardy em 1968, o smoking feminino transformou-a no símbolo de poder masculino.

A exposição abrange peças da colecção da Fundação Pierre Bergé-Yves Saint Laurent, que tem 5 mil criações de alta-costura catalogadas e guardadas em Paris.

As pessoas que vêem a exposição podem acompanhar as experiências de Saint Laurent com a escultura e a geometria a partir de 1988. Numa homenagem a Georges Braque, o corpete de um vestido de crepe de seda salmão é adornado com o bico de uma pomba feita de contas, cujas asas abertas sobem, formando uma gola dramática.

Mais de 20 anos antes, a colecção de 1965 do estilista já incluíra a sua célebre homenagem a Piet Mondrian, um vestido de blocos geométricos de cor, formando um contraste com as curvas do corpo feminino.
Saint Laurent encontrava inspiração na cultura mundial, quer fosse na vida dos camponeses russos, nas touradas espanholas ou em fontes ainda mais exóticas.

Biografia

Nascido na Argélia, então possessão francesa, St. Laurent era filho do presidente de uma companhia de seguros e o seu gosto pela moda foi-lhe despertado pela mãe. Aos 17 anos, deixou a casa dos pais para trabalhar com o estilista Christian Dior, de quem herdou o controle criativo da casa Dior após a morte do seu mentor em 1957, com apenas 21 anos de idade, assumiu o desafio de salvar o negócio da ruína financeira.

Nos anos 60 e 70, a marca tornava-se conhecida em todo mundo conjugada com sofisticação, com o ponto alto de sua criatividade no lançamento do smoking feminino, que permitiria dali em diante às mulheres trabalharem de calças compridas. Em 1966, foi o primeiro a popularizar o prêt-a-porter, a moda de bom gosto e bom corte, a preços mais acessíves que a alta-costura, na sua boutique Rive Gauche, em Paris. Foi também o primeiro estilista do mundo a usar manequins negras em desfiles de moda...

Um dos símbolos máximos da sofisticação e do bom gosto em moda por quase quatro décadas, amigo de algumas das mais ricas e famosas mulheres do mundo, todas suas clientes como Diane von Furstenberg, Loulou de La Falaise e Catherine Deneuve, St Laurent, com a parceria administrativa de Bergé, transformou a YSL num ícone da moda, que apresentou mais de setenta colecções de alta-costura e lançou uma infinidade de produtos que levam a sua marca e são vendidos em todo o mundo.

Em Janeiro de 2002, o estilista anunciou que estava deixando o mundo da moda durante a apresentação de um desfile seu, que trazia uma retrospectiva de todas as suas criações, ao longo de seus quarenta anos de carreira.

St. Laurent morreu em Paris, diagnosticado com câncer cerebral às 23h10min de 1 de Junho de 2008.

A prevenção é a melhor solução

Novo mundo

Mark J. Penn é um analista e estratega americano, principal responsável pela reeleição de Clinton e pela terceira vitória de Blair. No seu livro 75 microtendências aborda pequenas mudanças no retrato da sociedade ocidental.
Não querendo ser extensa, escolhi para uma primeira abordagem, apenas seis, que se relacionam com as relações afectivas

Há mais mulheres solteiras do que nunca. Uma vontade que se torna opção? A obrigatoriedade imposta pelos números? Ambas. A verdade é que existem mais mulheres do que homens e a homossexualidade tem o sujeito no masculino o dobro das vezes. Ser mãe biológica ou adoptiva poderá ter um novo cenário: a ausência do elemento masculino.

Um em cada quatro solteiros afirma já ter procurado o seu parceiro on-line. Os motivos são simples. Poder definir o tipo de pessoa que se procura. Conhecer muitos perfis num curto espaço de tempo. Só nos EUA casam, por ano, mais de 100 mil pessoas, que se conheceram na internet.

O amor á distância é outra das situações. Estar com o companheiro apenas aos fins-de-semana ou uns dias por mês. No mesmo país ou atravessando fronteiras a separação física dos casais duplicou nos últimos 15 anos. A Internet é uma aliada. Os voos lowcost são a invenção do século para quatro milhões de pessoas só nos EUA. Aprender a arte do sexo à distância e partilhar o dia-a-dia são os truques desta nova condição na vida moderna.

As mulheres preferem os homens mais novos. Divorcio. Mulheres confiantes. Avanços científicos na área da cosmética. Três premissas dos números: uma em cada três mulheres solteiras entre os 40 e os 69 anos tem uma relação com um homem mais novo.
Um factor que não pode ser esquecido: o pico sexual de uma mulher está mais alinhado com o de um homem mais jovem.

Relações em casas separadas. A mesma cidade. Um amor correspondido. Casas separadas. Depois do decréscimo do casamento, chegou a vez das uniões de facto.
Mas não se trata de uma imposição! 63 % dos holandeses gosta deste semi-compromisso. 10% dos casais canadianos vive separadamente junto. O gosto pela independência ou a vontade de preservar o espaço dos filhos de relações anteriores parecem as justificações. Não deixam contudo de ser relações menos sérias.

A palavra irmão está em vias de extinção no velho continente. É a era dos filhos únicos.
O número de casais europeus que só tem um filho cresceu 134% nos últimos 40 anos. As consequências vão muito além do típico mimo ou drama social. Uma geração europeia de filhos únicos significa uma classe de cidadãos confiantes, responsáveis, perfeccionistas e com propensão para liderar…

Para o meu amigo Kmmad

Para o meu amigo kmmad , que tem muitos presentes, mas que tem sido uma ajuda preciosa para o meu blog, envio com muito carinho os seguintes prémios:

Fundação de Serralves

A Fundação de Serralves está localizada no Parque de Serralves na cidade do Porto, em Portugal, onde está instalado o Museu de Arte Contemporânea de Serralves e a Casa de Serralves.

Concluída em 1940, a Casa de Serralves foi mandada construir pelo segundo Conde de Vizela, Carlos Alberto Cabral. Até à abertura do Museu de Arte Contemporânea, em 1999, a Casa de Serralves acolhia as exposições realizadas pela Fundação. O edifício, cujo projecto final é da autoria do arquitecto português Marques da Silva, é considerado um exemplo único da arquitectura Art Déco em Portugal.

O Parque de Serralves resulta de processos de desenho de uma paisagem ao longo de mais de um século, constituindo uma unidade temporal e espacialmente complexa: vestígios de um jardim do século XIX, Quinta do Mata-Sete, Jardim da Casa de Serralves, paisagem do Museu de Arte Contemporânea de Serralves.
O projecto para o jardim da Casa de Serralves foi encomendado pelo Conde de Vizela ao arquitecto Jacques Gréber em 1932.

A Fundação de Serralves é uma instituição cultural de âmbito europeu ao serviço da comunidade nacional, que tem como missão sensibilizar o público para a arte contemporânea e o ambiente, através do Museu de Arte Contemporânea como centro pluridisciplinar, do Parque como património natural vocacionado para a educação e animação ambientais e do Auditório como centro de reflexão e debate sobre a sociedade contemporânea

O Museu tem como objectivos essenciais a constituição de uma colecção representativa da arte contemporânea portuguesa e internacional, a apresentação de uma programação de exposições temporárias, colectivas e individuais, que representem um diálogo entre os contextos artísticos nacional e internacional, assim como a organização de programas pedagógicos que ampliem os públicos interessados na arte contemporânea e suscitem uma relação com a comunidade local.
É também objectivo da instituição desenvolver projectos com jovens artistas que permitam a afirmação das suas obras e o desenvolvimento das suas pesquisas. A Colecção do Museu é constituída por aquisições directas, obras em depósito do Estado e de coleccionadores privados, bem como doações.

O Museu de Serralves é um edifício da autoria do arquitecto Álvaro Siza.
A implantação do edifício aconteceu no espaço da horta da antiga Quinta de Serralves, uma zona que, devido ao seu declive, permitiu semi-enterrá-lo, minimizando o seu impacto no espaço envolvente. Esta escolha permitiu, ao mesmo tempo, evitar o abate de árvores e facilitar um novo acesso do público ao Museu.

Em 1998 iniciou-se o arranjo paisagístico da envolvente do Museu, da autoria de João Gomes da Silva. Uma das principais premissas na origem do projecto foi a relação que o edifício estabelece com o exterior através das amplas janelas, tendo-se optado pela introdução de vegetação originária do Norte de Portugal e pela criação de maciços verdes e de clareiras. Esta nova paisagem veio acentuar a importância da luz como elemento potenciador de diferentes perspectivas sobre o edifício e os espaços que o envolvem.

Fonte: Wikipédia, e site Oficial da Fundação de Serralves

"Com um brilhozinho nos olhos" - Sérgio Godinho

Sérgio Godinho nasceu no Porto em 1945 é um compositor, poeta e interprete português.

Aos 20 anos sai de Portugal voltando as costas à guerra colonial.
Permanece 9 anos afastado do país. A sua maior ligação é com a capital francesa, Paris, onde integra por dois anos o elenco do musical “Hair” e começa a esboçar as suas primeiras músicas, tomando contacto com outros músicos portugueses, como José Mário Branco Zeca Afonso e Luís Cília. Passou ainda por Amsterdão, Brasil e Vancouver

Ainda que constantemente censurados, os seus álbuns conseguiram alcançar popularidade entre o público português no ano seguinte, tendo inclusivamente a imprensa premiado Sérgio como “Autor do ano” e Os Sobreviventes como “Disco do ano”.

Estabelece-se numa comunidade hippie em Vancouver,e é aqui que recebe a notícia da revolução do 25 de Abril que o leva a regressar a Portugal. Já em terras lusitanas, edita o álbum "À queima roupa" um sucesso que o faz correr o país, actuando em manifestações populares, frequentes no pós 25 de Abril.

Desde então a sua carreira não mais parou; duas das suas canções mais aclamadas, são: "É terça-feira" e "Com um brilhozinho nos olhos".

Fonte: Wikipédia

Ikebana - Flores vivas

Ikebana em japonês: ( 生け花 ou いけばな), literalmente "flores vivas"- é a arte japonesa de arranjos florais, também conhecida como Kado (華道 ou 花道, Kado?) - a via das flores.

Ikebana é uma arte floral que teve origem na Índia onde os arranjos eram destinados a Buda, e personalizada na cultura nipónica, pela qual é mais conhecida. Em contraste com a forma decorativa de arranjos florias que prevalece nos países ocidentais, o arranjo floral japonês cria uma harmonia de construção linear, ritmo e cor.

Enquanto que os ocidentais tendem a pôr ênfase na quantidade e colorido das cores, dedicando a maior parte da sua atenção à beleza das corolas, os japoneses enfatizam os aspectos lineares do arranjo.

A arte foi desenvolvida de modo a incluir o vaso, caules folhas e ramos, além das flores. A estrutura de um arranjo floral japonês está baseada em três aspectos principais que simbolizam o céu, a t erra e o homem, embora outras estruturas sejam adaptadas em função do estilo e da Escola.

Portinari

Vim de terra vermelha e do cafezal
As almas penadas, os brejos e as matas virgens
Acompanham-me como o espantalho,
Que é o meu auto-retrato
Todas as coisas frágeis e pobres
Se parecem comigo

Candido Portinari



Cândido Portinari nasceu a 29 de Dezembro de 1903, numa fazenda de café em Brodoswki, no estado de S.Paulo.
De família humilde recebeu apenas a instrução primária, porém desde criança manifestou a sua vocação artística.

Aos seis anos, começou a desenhar e aos nove participou durante vários meses dos trabalhos de restauro da igreja de Brodowski, ajudando os pintores italianos.

E 1918 matriculou-se na Escola Nacional de Belas Artes, na qual estudou desenho e pintura.
Em 1928 conquistou o Prémio de Viagem ao Estrangeiro da Exposição Geral de Belas Artes, de tradição académica.

Viajou pela Itália, Inglaterra e Espanha e fixou-se em Paris onde descobriu a pintura moderna.
Em 1930 regressou ao Rio passando a trabalhar num ritmo intenso, retratando o povo brasileiro. Lavradores com pés disformes, pés que podem contar uma história, tal como os via quando era menino.

Aos poucos foi deixando as suas características académicas para enveredar por uma pintura mais experimental e moderna.

O interesse de Portinari como pintor e como itinerário de acesso ao Brasil da sua época, não se limitou ao legado pictórico. Representou, também, um importante pólo de captação e irradiação das principais preocupações estéticas, artísticas, culturais, sociais e políticas da sua geração.
Cândido Portinari é o pintor brasileiro com mais projecção internacional

Homenagens, títulos e prémios

▪ 1940 – Chicago (EUA) – A Universidade de Chicago publica o primeiro livro sobre o pintor, Portinari: His Life and Art, com introdução do artista Rockwell Kente;

▪ 1946 – Paris (França) – Legião de Honra concedida pelo governo francês;

▪ 1950 – Varsóvia (Polónia) – Medalha de Ouro, pelo painel Tiradentes (1949), concedida pelo júri do Prémio Internacional da Paz;

▪1955 – Nova Iorque (EUA) – Medalha de Ouro, como melhor pintor do ano, concedida pelo Internacional Fine Arts Council;

▪ 1956 – Nova Iorque(EUA) – Prémio Guggenheim de Pintura, por ocasião da inauguração dos seus painéis na sede da ONU.


Portinari pintor

Sobre Portinari diz-nos Giuseppe E. Luraghi, critico de arte, escritor e poeta italiano:
Nestes dias de desorientação, de funambulismos e de anemia, o exemplo da arte poderosa de Cândido Portinari, tão rica de significado, de matéria e de sólida técnica, chega a nós como um bom vento vivificante, a demonstrar-nos que a grande veia latina não se exauriu, mas, ao contrário, enriquecida de novos temas, continua viva, também pelo mérito de um filho de emigrantes que ainda acredita que a pintura seja um oficio sério, árduo e útil aos homens.

RenéHuyghe, conservador-chefe do Museu do Louvre

Considero Portinari um dos maiores pintores do nosso tempo.
A sua força é enorme. Na manhã em que vi o conjunto das suas telas, experimentei tal emoção que fiquei possuído de uma verdadeira fadiga nervosa. Nessa tarde não pude trabalhar, achava-me realmente cansado


Portinari politico

Entrevista do Poeta e amigo Vinícius de Morais

Vinicíus
- Como chegou você à posição política?

Portinari
- Não pretendo entender de politica. Minhas convicções, que são fundas, cheguei a elas por força da minha infância pobre, de minha vida de trabalho e luta, e porque sou um artista. Tenho pena dos que sofrem, e gostaria de ajudar a remediar a injustiça social existente. Qualquer artista consciente sente o mesmo…


Fontes: http://www.portinari.org.br/
http://www.casadeportinari.com.br/

Sexo tântrico

Surgida na Índia, há 5 mil anos, o Tantra é uma filosofia matriarcal, onde a mulher é considerada uma divindade. Em sânscrito, Tantra significa "o que conduz ao conhecimento".
O sexo tântrico é uma forma de adiar ao máximo o orgasmo, para obter prazer prolongado.

Segundo os praticantes, este é um processo que vai elevar o nível do sexo, segurando o orgasmo cada vez mais. Toda a energia retida, quando libertada, será uma explosão nuclear. Adeptos da prática dizem ter conseguido até 24 horas de contacto sexual ininterrupto.

Para praticar o sexo tântrico, o casal a cima de tudo, tem que aprender a comunicar de uma forma mais íntima. O acto sexual é entendido não como um meio para o orgasmo, mas como uma experiência física e espiritual extremamente rica. Este é o conceito fundamental.
O sexo tântrico leva em conta que a nossa pele possui cerca de 600 mil pontos de sensibilidade. A ejaculação é considerada um desperdício de energia vital e por isso deve-se aprender a adiá-la.
Um toque na pele, um beijo nos lábios, a aspiração do hálito do parceiro, o sexo oral e as técnicas de fortalecimento dos músculos pélvicos no homem e na mulher (os famosos exercícios de Kegel e a outras técnicas de auto-contenção) podem desencadear experiências sensoriais incríveis

Finalmente o hiper orgasmo é o estado de maximização do prazer sexual a níveis absolutamente inimagináveis. Esse estado alterado da consciência é obtido mediante técnicas orientais provenientes da tradição tântrica.
A proposta do hiper orgasmo é: 1º atingir um patamar de prazer incrivelmente mais alto do que o do orgasmo ordinário; 2º sustentar esse êxtase por um tempo ilimitado.

Os benefícios do sexo tântrico não são só sexuais. Segundo os praticantes, devido a toda energia retida no organismo, a qualidade de vida melhora, a criatividade é estimulada e o rendimento físico aumenta, aumentando principalmente a expectativa de vida.

Fobia Social

Quando o inimigo somos nós a luta torna-se desigual. Não há adversário pior do que aquele que está cá dentro. Injusto? Talvez. Desgastante? Muito. Nunca há vencedores nem vencidos. Podemos até mascará-lo, ignorá-lo, mas ele está lá sempre à espera do mais pequeno sinal para entrar em guerra. O palco? A nossa mente. O público? O nosso corpo.

Alarme
Situações que desencadeiam elevada ansiedade
· Falar em público.
· Comer em público.
· Ser apresentado a outras pessoas.
· Ir a locais públicos.
· Ser observado e fazer alguma actividade.
· Dar ou defender a sua opinião.
· Ter encontros sociais com estranhos sobretudo do sexo oposto.
· Olhar as pessoas nos olhos.
· Falar ao telefone na presença de outras pessoas.

Como se identifica a fobia social
A associação americana de psiquiatria através do seu manual de classificação (DSM-IV)
Define a fobia social como:
· O medo intenso e persistente de uma ou outra situações sociais ou de desempenho, nas quais o individuo está exposto pessoas desconhecidas ou ao possível escrutínio de outros. A pessoa receia comportar-se de modo humilhante ou embaraçoso, ou mostrar sintomas de ansiedade.
· A exposição às situações receadas provoca quase sempre ansiedade, a qual pode tomar a forma ou predispor ao ataque de pânico.
· O indivíduo reconhece que o medo é excessivo ou irracional.
· As situações sociais ou de desempenho receadas são evitadas ou enfrentadas com intensa ansiedade e desconforto
· O evitar, a ansiedade ou o desconforto nas situações sociais ou de desempenho, interfere significativamente na rotina do indivíduo, com o seu funcionamento ocupacional, com as actividades ou relações sociais, ou existe mal-estar intenso devido à fobia.
· A duração dos sintomas é igual ou superior a seis meses.
· O medo ou evitamento não é devido a efeitos fisiológicos duma substância (por exemplo medicamentos, drogas), ou a uma condição física geral, e não é explicada por nenhuma outra perturbação mental (por exemplo perturbações de pânico com ou sem agorafobia, ansiedade de separação, perturbação dismórfica corporal, entre outras)

O que fazer
Apesar de estarmos perante uma perturbação crónica, a fobia social pode ser minimizada através de várias abordagens que têm sempre que ser analisadas por especialistas ( psiquiatra ou psicólogo). O tratamento base engloba utilização das seguintes armas terapêuticas (em combinação ou isoladas): psicoterapia cognitivo comportamental; psicoterapia de inspiração psicanalítica; medicação (antidepressivos e/ou ansiolíticos).

Fonte: Psicólogo João Guerreiro

E Aprendemos

Após um tempo
Aprendemos a diferença subtil

Entre segurar uma mão

E acorrentar uma alma,

E aprendemos

Que o amor não significa deitar-se

E uma companhia não significa segurança

E começamos a aprender...

Que os beijos não são contratos

E os presentes não são promessas

E começamos a aceitar as derrotas

De cabeça levantada e os olhos abertos

Aprendemos a construir

Todos os seus caminhos de hoje,

Porque a terra amanhã

É demasiado incerta para planos...

E os futuros têm um forma de ficarem

Pela metade.

E depois de um tempo

Aprendemos que se for demasiado,

Até um calorzinho do sol queima.

Assim plantamos nosso próprio jardim

E decoramos nossa própria alma,

Em vez de esperarmos que alguém nos traga flores.

E aprendemos que realmente podemos aguentar,

Que somos realmente fortes,

Que valemos realmente a pena,

E aprendemos e aprendemos...

E em cada dia aprendemos.

Jorge Luís Borges

American Dream

Quando em 1908, a jovem canadiana decidiu partir para os Estados Unidos da América com o intuito de fazer fortuna, deu o primeiro passo para uma carreira que mudaria o curso da história da cosmética.

Dois anos depois fundou um pequeno negócio de luxo que acabaria por simbolizar a dedicação de uma vida ligada ao conceito de Beleza Absoluta..

A mulher e a empresa ficariam conhecidas em todo o mundo pelo mesmo nome: Elizabeth Arden.

Pioneira em várias tendências, conseguiu, nas décadas seguintes, expandir o negócio em todo o mundo, ampliando a sua linha de produtos sempre com muita originalidade.

Responsável pela introdução da cor na maquilhagem e pela criação da famosa fragrância Blue Grass, a empresa faz 100 anos em 2010.

Hoje a marca tem como rosto principal Catherina Zeta-Jones e continua a dar provas deste merecido sucesso.

Chegou, viu e venceu. A famosa expressão adequa-se na perfeição a Elizabeth Arden..
Quase um século de lançamentos inovadores são disso a melhor prova.